9/12/09

Examen Final

ENVIDIA


Brief

Concepto elegido: Envidia

Significado: Tristeza o pesar de bien ajeno y la emulación, deseo de algo que no se posee.
- Conceptos relacionados: Resentimiento, rencor, celos, rabia y desazón.
- Conceptos relacionados elegidos: Resentimiento y celos.

Idea conceptual: La idea es representar el concepto de envidia con fósforos. Por una parte se encuentran en un rincón fósforos intactos, ordenados y limpios, sin quemar, que representan lo envidiable. Y por otro lado se encuentra un fósforo solo, sucio y usado, quemado, que representa a un ser envidioso. En la cabeza este fósforo debe estar quemado para así simular el resentimiento que posee y mirando a este grupo "Ideal" con envidia.
La toma será desde arriba con harta luz para que el fondo sea completamente blanco y así resaltar los fósforos y el concepto principal.

Referentes visuales:


Boceto:


Producción:

- Materiales:
- Caja de fósforos
- Trípode
- 1 Foco
- Soporte rígido
- Fondo blanco

- Montaje: Lo primero que necesito es una superficie rígida para que los fósforos no se muevan, ya que es muy importante que se mantengan en el lugar establecido. Sobre este utilizare un fondo blanco para poder resaltar mejor los fósforos, ya que el fondo no tiene mayor protagonismo y lo importante son los fósforos.

- Iluminación: Necesito un foco principal arriba del montaje para dar una luz pareja en el fondo y así poder eliminar la sombra. Es necesario que el fondo este completamente blanco y limpio, ya que en este caso este no tiene protagonismo. Se debe producir un contraste entre el fondo y los fósforos.

Técnica: La fotografía será tomada en macro. Esto para poder resaltar los fósforos ya que es una producción simple y al tener el fondo en blanco (que no tiene protagonismo) se podrá apreciar mejor los fósforos y el concepto.

- Manejo de cámara:
- Diafragma: f8
- Velocidad: 1/40
- Iso: 100

Trabajo en clases: Tumulto


Brief:

Encargo: Representar con fosforos el concepto "tumulto"

Definicion de tumulto: Motín, confusión, alboroto producido por una multitud. Confusión agitada o desorden ruidoso.

Materiales:
- Fosforos
- Camara
- Foco

Manejo de Cámara:
V: 1/4
F: 3

4/12/09

Legos



Brief:

La foto fue tomada en un mini escenario con fondo negro, para que así se pareciera más a la original. Fue tomada con macro.
iso: 100
diagrafma: 8
velocidad: 1/30

26/11/09

Edward Steichen



Edward Steichen (1879-1973)nació en 1879, en Luxemburgo, pero pronto se trasladó a los Estados Unidos. A los 16 años comenzó como fotógrafo y a los 21 se fue a París para estudiar pintura.

En Nueva York en 1905 se unió al fotógrafo norteamericano Alfred Stieglitz y abrieron la Gallery 291, sala en la que realizaron sus primeras exposicione algunos de los pintores más representativos del siglo XX. Al año siguiente Steichen volvió a París, donde experimentó con la pintura y la fotografía, entre otras cosas.

En 1923 Steichen regresó a Nueva York como fotógrafo jefe de las revistas Vanity Fair y Vogue. Entre los famosos que retrató para la primera, se encuentran Greta Garbo y Charles Chaplin.

En 1938 se retiró a su granja de West Redding, Connecticut. Durante la II Guerra Mundial dirigió un equipo fotográfico de combate de la Marina de los Estados Unidos.

En 1947 Steichen fue nombrado director de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA). En 1955 preparó la exposición fotográfica The Family of Man, que posteriormente dio la vuelta al mundo. Sus obras se pueden admirar en el Museo de Arte Moderno y en el Eastman House de Rochester, Nueva York.

Este fotógrafo estadounidense buscó la interpretación emotiva e impresionista en sus temas y luchó para que la fotografía fuese reconocida como una manifestación formal de arte.

Cindy Sherman



Artista norteamericana que lleva más de 30 años exhibiendo fotografías de sí misma. En los 70 mostraba fotos en blanco y negro en las que aparecía como una heroína de Hollywood; en los 80 y 90 sus imágenes levantaron polémica porque en ellas la artista aparecía como víctima de actos violentos. Su última serie -de 2004- la muestra vestida como payaso, ironizando sobre el rol del artista en la sociedad. Son instantáneas chillonas y manipuladas digitalmente. También ha trabajado como directora de cine.

Jan Saudek



Jan Saudek es un fotógrafo y artista plástico nacido en Praga, entonces Checoslovaquia, el 13 de mayo de 1935.

Recibe su primera cámara en 1950, una Kodak Baby Brownie, sobre la que el propio Saudek dice: “lo único que se puede hacer con esta cámara es cargar la película, apretar el botón y hacer la foto; y eso es exactamente lo que he hecho hasta 1963”.

En 1951 colorea una foto, que su madre enseña al médico de la familia. Ésta asevera que es absolutamente mala, kitsch y que su estilo está pasado de moda, lo que desanima a Saudek a continuar con la fotografía por un tiempo. Paradójicamente, serán estas fotografías en blanco y negro coloreadas manualmente las que caracterizan y hacen, hoy en día, internacionalmente reconocible su trabajo.

En 1959 su esposa de entonces, Marie, le regala una cámara Flexaret 6 x 6.

En 1963 cae en sus manos el catálogo de la exposición Family of Man del fotógrafo americano Edward Steichen y entonces decide que lo que realmente quiere es dedicarse a la fotografía y que su inspiración sean, exclusivamente, las personas con las que se haya sentimentalmente ligado. Posteriormente, afirmará que con su trabajo lo que intenta es “capturar todas las cosas que conozco y amo, pero sobre todo me gustaría dejar una huella del tiempo en que he vivido”. El libro de Steichen le motiva a exponer, por primera vez, en Praga.

En 1969 viaja a Estados Unidos, donde Hugh Edwards le anima a continuar con su labor artística. En la Universidad Bloomington de Indiana expone por primera vez en solitario.

A partir de los años setenta su trabajo empieza a ser conocido, pero hasta 1983 no publica su primer libro de fotografías. En reconocimiento a la trayectoria artística de Saudek, las autoridades comunistas le permiten abandonar en 1984 su trabajo en la fábrica y que se asocie a la Fundación de Artistas visuales Checoslovacos, lo que equivalía a su reconocimiento profesional como artista.

En 1990 es nombrado Caballero de la Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia y en 2006 es galardonado en su propio país con el Premio Artis Bohemiae Amicis junto a Milan Kundera y Vladimir Körner por contribuir a la reputación artística de la República Checa.

August Sander



August Sander, nace en una zona minera cerca de Colonia (Alemania) en 1876.
Su padre es carpintero en la mina y él siendo muy joven comienza a trabajar también en la mina.
Un día le eligen, por azar, para que acompañe como guía a un fotógrafo que realiza fotografías del paisaje minero. El fotógrafo le permite observar el mundo a través del objetivo de su cámara.
A partir de ese momento decide que quiere estudiar fotografía.

Se hace ayudante de diferentes fotógrafos profesionales en Alemania y en Austria. Hasta que a principios del siglo XX se convierte en fotógrafo profesional, abriendo un estudio fotográfico primero en Linz (Austria) y más tarde, en 1910, en Colonia.

Es en esta época cuando decide salir de su estudio y realizar un trabajo de campo:
Elige una zona geográfica limitada y conocida suficientemente por él, Westerwald, donde pasó su infancia, dedicándose a fotografiar de una forma sistemática a los campesinos de la región.

Después de la Primera Guerra Mundial, su actividad profesional se orienta a la toma de fotografías para el carnet de identidad.
Se interesa por el arte moderno y adquiere consciencia de lo que representa el proyecto iniciado en Westerwald.

A partir de ese momento amplía su visión, retratando personas de todas las clases sociales y ocupaciones. Alemania entera va pasando por delante de su objetivo.
Su planteamiento es retratar a cada individuo como tal, al tiempo que lo sitúa dentro de la sociedad de su tiempo.
Sander no indica nunca el nombre de la persona fotografiada, pero sí señala su oficio.
Con esta forma de trabajar da un carácter universal a su obra.

Va creando un inventario de personajes de su época: la República de Weimar.
En 1929, publica un libro con unas sesenta fotografías titulado Antlizt der Zeit (El rostro de nuestro tiempo).

En los años 30 y con la ascensión de los nazis al poder, su obra es objeto de persecución. Así, el libro citado es retirado de las librerías y su archivo confiscado.
Sander muestra a sus compatriotas (incluídos los nazis) tal como son, no glorifica la raza aria.
Con ello no sólamente se opone a la propaganda totalitaria, sino que en la práctica la denuncia.
Durante esa época se dedica a realizar paisajes.

Terminada la Segunda Guerra Mundial, emprende la labor de reconstruir su archivo.
Produciéndose el reconocimiento tanto nacional como internacional de su trabajo.
Muere en 1964.

George Platt Lynes



George Platt Lynes nació el 15 de abril de 1907, en New Jersey, Durante su adolescencia demostró un gran interés por la literatura. En 1925 viajo a Francia y entró en contacto con Gertrude Stein y su círculos de amigos, incluyendo al escritor Glenway Wescott y al editor Monroe Wheeler. Lynes regresó a los Estados Unidos intentando sacar adelante una carrera literaria.
Tuvo escarceos con el mundo editorial e incluso abrió una librería en Englewood, New Jersey en 1927. Ese mismo año Lynes recibió una ligera formación con un fotógrafo profesional de la ciudad. A pesar de no estar demasiado interesado en la fotografía como carrera, Lynes comenzó a realizar retratos de sus amigos y familia y a exhibir sus obras en la librería.
En los años siguientes recorrió Europa, afinando sus capacidades como fotógrafo. Desarrolló amistad con numerosos artistas y mecenas de la época, incluyendo a Pavel Tchelitchew, Jean Cocteau, Isidore Duncan y su marido, Sergei Esenin, y al poderoso e influyente critico Julien Levy.
Cuando regresó a Estados Unidos, abrió en 1932 su propio estudio artístico. Ese mismo año Levy exhibió los trabajos de Lynes junto los de Walter Evans en su galería de New York. Los esfuerzos promocionales de Levy, junto con el estilo innovador y maestro de la iluminación, convirtieron a Lynes en uno de los fotógrafos mas solicitado del país.
En 1934 le encargaron regularmente trabajos para las exclusivas revistas Harper's Bazaar, Town & Country y Vogue, y en 1935 fue contratado para documentar los principales bailarines y producciones de las compañías de Lincoln Kirstein y el nuevo ballet de George Balanchine.
En los finales del 1930 y los principios de 1940, Lynes simultaneó la fotografía de moda con una serie de fotografías basadas en caracteres e historias de la mitología griega.
En 1946 se instaló en Hollywood donde asumió el cargo de Jefe de Fotografía de los estudios Vogue. Fotografió entonces a las principales figuras de la industria cinematográfica, incluyendo a Katherine Hepburn, Rosalind Russell, Gloria Swanson y Orson Welles, así como figuras del ambiente artístico, como Aldous Huxley, Igor Stravinsky o Thomas Mann.
Después de dos años, Lynes tuvo una quiebra financiera, y en 1948 sus amigos le apoyaron económicamente para que regresase a New York.
Lynes retornó a una ciudad de postguerra , donde nuevos fotógrafos como Richard Avedon e Irving Penn habian ocupado su sitio en el mundo de la moda. Este hecho, unido a el creciente desinterés hacia el trabajo comercial, hizo que jamás volviese a lograr el éxito de su época pasada.
Lynes dedicó la mayor parte de su tiempo a plasmar imágenes homoeroticas, y comenzó a trabajar con el Dr. Alfred Kinsey en su Instituto de Bloomington, Indiana. Los problemas financieros persistían, y por segunda vez se vio forzado a declararse en bancarrota.
En mayo de 1955 le diagnosticaron un cáncer terminal en los pulmones. Se encerró en su estudio y destruyo innumerables copias y negativos de sus fotografía.
Tras un viaje póstumo a Europa, Lyner regresó a New York, donde falleció el 6 de diciembre de 1955.

Georgii Petrussov



En 1924, se instaló en Moscú, convirtiendo lo que hasta entonces sólo había sido un hobby, la fotografía, en su profesión, trabajando como reportero para varias revistas.
Petrussov se especializó en temas industriales. De 1928 a 1930 trabajó para una fábrica metalúrgica de Magnitogorsk, haciendo un reportaje sobre el nacimiento de esa industria.
En 1931, pasó a formar parte del grupo “Octubre” colaborando con los fotógrafos de vanguardia.
Durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó como corresponsal para la oficina soviética de informaciones. En 1945, entró en Berlín con las primeras tropas soviéticas pudiendo tomar fotografías de la ocupación de la ciudad.
La ciudad de Berlín, le brindó una exposición individual en 1967.

Gordon Parks



Gordon Parks, fotógrafo, cineasta, escritor y compositor, en gran medida auto didacta, y que utilizó sus prodigioso talento para relatar la experiencia de los afro-americanos y su propia historia personal, murió el pasado 7 de marzo en su casa en Manhattan. Tenía 93 años.

Gordon Parks fue el primer afro-americano en trabajar tiempo completo para la revista Life y el primer artista afro-americano en dirigir y producir una película para Hollywood “The Learning Tree” (El Árbol del Aprendizaje) en 1969.

Consiguió un gran número de seguidores como fotógrafo para Life durante mas de 20 años, cuando cumplió 50 años de edad, ya era considerado como uno de los creadores de imágenes más influyentes de la posguerra. En la década del 60 empezó a escribir sus memorias, novelas, poemas y guiones cinematográficos, lo que lo llevó a dirigir películas. En 1970 ayudó a fundar la revista Essence de la cual fue editor de 1970 a 1973.
Su éxito como fotógrafo se debió en gran parte a su persistencia y capacidad de persuasión para fotografiar, ya fueran estrellas de cine, figuras de la sociedad o un niño de las favelas brasileñas.

Helmut Newton



Helmut Newton —Helmut Neustädter— (31 de octubre de 1920 - 23 de enero de 2004) fue uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX. Crea un nuevo estilo propio en sus fotografías, que están repletas de glamour y seducción, donde predominan los desnudos femeninos y los tacones de aguja.

Arnold Newman



Arnold Newman, uno de los maestros de la fotografía retratista de famosos del siglo XX, falleció el 6 de junio de un ataque al corazón a los 88 años de edad.

Amigos de su familia dijeron que el fotógrafo, que tomó las fotografías más famosas de la actriz Marilyn Monroe, del beisbolista Joe Di Maggio, de los pintores españoles Pablo Picasso, Miró, Salvador Dalí y Antoni Tápies, y de políticos como el General Francisco Franco, falleció en el Hospital Monte Sinaí, de Nueva York.

Newman se hizo famoso no sólo por sus retratos, sino por el estilo que imprimió a su trabajo, en el que además de artistas y deportistas incluyó a políticos como los presidentes estadounidenses Dwight Eisenhower, John F. Kennedy, o el primer ministro británico Winston Churchill.

Asimismo, retrató con su cámara fotográfica a buena parte de los hombres y mujeres más influyentes del siglo XX, desde el físico J. Robert Oppenheimer padre de la bomba atómica, hasta políticos como el General Francisco Franco, en un impactante e inusual retrato de 1964, con todo el aura autoritaria de un dictador.

Cuenta Newman que le encargaron ese retrato para una revista norteamericana y, sorprendentemente, Franco accedió a fotografiarse.

Durante más de seis décadas sus imágenes no sólo mostraron a un personaje central, sino también un ambiente que hablaba sobre su personalidad, sus actividades o sus logros.

"No quería que se tratara solamente de una fotografía. El segundo plano tenía que sumarse a la composición y ayudar a comprender al personaje. Hacer sólo el retrato de alguien famoso no significa nada", había explicado recientemente en una entrevista.

"Arnold tenía la capacidad de ver las cosas que trascienden más allá de lo que los demás observan", señaló Ron Kurtz, propietario de "Commerce Graphics", una galería de arte de Nueva York.

Aun cuando su base de operaciones fue siempre Nueva York, Newman viajó por todo el mundo para fotografiar a artistas, científicos y políticos para las revistas más populares de Estados Unidos.

En esos viajes, captó imágenes que se han hecho famosas del músico Igor Stravinsky y del empresario nazi Alfred Krupp.

Newman nació en Nueva York en 1918 y estudió arte en la Universidad de Miami con la intención de convertirse en pintor.

Pero su vida cambió cuando, tras dos años en la universidad, entró a trabajar en un estudio fotográfico de Filadelfia, donde comenzó ganando 16 dólares (12,4 euros) a la semana.

Duane Michals



Duane Michals nació en 1932 en McKeesport, Pennsilvania. Terminó sus estudios en la Universidad de Denver en 1953 y trabajó como diseñador gráfico hasta que comenzó a hacer fotografías al final de la década de los cincuenta.

Sin estudios fotográficos formales, Michals irrumpe en una era dominada por el fotoperiodismo documental. En la década de los años sesenta utilizó el medio para contar historias. Las secuencias toman prestado la técnica cinemática de los fotogramas, comunicando ideas a través de paneles, detallando progresión temporal o alterando constantemente percepciones de los objetos cotidianos.

Desde muy pronto, Michals también comenzó a incorporar textos a sus secuencias e imágenes sueltas. Lejos de ser interpretaciones pedantes de su trabajo, estos textos contaban historias o hacían preguntas como forma de expandir el ámbito de la foto. A lo largo de su carrera, Michals ha usado estos métodos aparentemente simples para contemplar con fascinación infantil temas tan universales como el amor, la perdida, la inocencia y la inmortalidad.

Su obra ha sido expuesta extensivamente en el mundo desde 1963 en instituciones tan diversas como el Art Institute de Boston, MA; la George Eastman House, en Rochester, Nueva York; el International Center of Photography, en Nueva York, NY; el Museo de Arte Moderno de San Francisco; el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, NY; Musée de l'Elysée, Lausanne, Suiza; Museo de Fotografía en Amberes, Bélgica; y el Museo Sprengel Museum, en Hanover, Alemania. La fotografía de Michals también puede encontrarse en las colecciones permanentes del Museo Metropolitan, el MOMA, el Museo J. Paul Getty, el Museo de Filadelfia y numerosas colecciones internacionales como la Moderna Museet, Estocolmo, Suecia; el Museo Nacional de Arte Moderno de Kyoto en Japón, la National Gallery en Auckland, Australia y el Museo de Israel en Jerusalén.

El libro mas reciente de Michals es The Essential Duane Michals (Bulfinch, 1997). Y otras recientes monografías del artista incluyen Salute, Walt Whitman (Twin Palms, 1996) y Duane Michals: Now Becoming Then (Twin Palms, 1990).

Robert Mapplethorpe



Robert Mapplethorpe (Nueva York, 4 de noviembre de 1946 – Boston, 9 de marzo de 1989) fue un fotógrafo norteamericano, célebre por sus fotografías blanco y negro de gran formato, especialmente flores y desnudos. El contenido sexual de algunos de sus trabajos, calificados de pornografía, generó más de una polémica durante su carrera.

Man Ray



Empieza a cantar a la edad de cinco años y dos años después se traslada a Brooklyn con su familia, donde va a la escuela. Recibe una beca para estudiar Arquitectura y la rechaza al igual que la idea de una educación académica.

En Nueva York trabaja como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asiste a las clases nocturnas de la National Academy of Design. Sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg.

En 1908 se casa con Adon Lacroix, una poeta belga. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. Funda, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el Dadá neoyorquino.

En 1918 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).

Diez años después se instala en París hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino.

Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía.

Sus primeras obras experimentales son los Rayographs de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.

Cuando el surrealismo se separa del dadaísmo en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.

Realiza esculturas surrealistas siguiendo el modelo del arte encontrado creado por Marcel Duchamp, como Object to dead be Destroyed (Objeto para ser destruido) de 1923; Man Ray añadió a un metrónomo normal, de 26 cm de altura, la fotografía de un ojo en la aguja. Nueve años después Man Ray es abandonado por su pareja, Lee Miller, a consecuencia de lo cual Man Ray sustituyó el ojo de alguien desconocido por el de su ex amante, y cambió el título del ready-made por el de Objeto de destrucción. En 1957, un grupo de estudiantes destruyeron, en efecto, el metrónomo, pero Man Ray lo reconstruyó en 1963, y lo tituló definitivamente Objeto indestructible, dándole a la obra un giro conceptual. En el Museo Reina Sofía se encuentra una reproducción a escala gigante de esta obra conservada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, hace Le Violon d'Ingres (1924).

En los años treinta realiza la serie de las solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y sigue pintando en un estilo surrealista; publica varios volúmenes de fotografías y rayógrafos.

Tumba de Man RayHacia finales de los años veinte comienza a realizar películas de vanguardia, como la Estrella de mar (1927).

En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En 1940, escapando de la ocupación nazi de París, se instala en Hollywood y en Nueva York, regresando a Francia en el año 1951. Durante su estancia en California se gana la vida enseñando como profesor.

La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Entre pinturas y fotografías hay que incluir películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda.

Como pionero de Dadá y Surrealismo su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. "La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte", dirá.

En 1963 publica su Autobiografía; antes de morir, el Metropolitan Museum de Nueva York le dedica una retrospectiva a su obra fotográfica (1973).

Robert Lebeck



Robert Lebeck (Berlín, 1929 ) es un fotógrafo alemán que ha destacado en sus trabajos de periodismo gráfico.

Nació en 1929 en Berlín, con quince años fue movilizado para combatir en la segunda guerra mundial y enviado al frente oriental, siendo hecho prisionero. Al terminar la guerra estudió en Zurich y Nueva York y en 1951 regresó a Alemania. Desde 1952 empezó a interesarse en la fotografía de un modo autodidacta y pronto comenzó a vender sus fotos al trabajar como fotógrafo freelance en Heidelberg. Hasta 1966 que entró a trabajar en Stern estuvo trabajando con Illustrierte wie Revue y Kristall. Su trabajo en Stern sólo estuvo interrumpido en 1977 al colaborar durante un año en Geo.[1]

En 1960 su reportaje sobre la independencia del Congo se hizo muy popular a causa de las fotografías tomadas a un joven que se apoderó de la espada del rey Balduino de Bélgica mientras realizaba un desfile. Esta serie apareció publicada en importantes revistas de la época: Paris Match, Epoca y Kristall.[1]

Durante más de treinta años ha sido el fotógrafo más cotizado de la revista Stern, estando especializado en fotografiar a personajes célebres como Alfred Hitchcock, Elvis Presley, Herbert von Karajan, Jayne Mansfield o Romy Schneider. Lebeck señala que para hacer un retrato de personas famosas es necesario acercarse mucho a ellas y esto no se consigue siempre, además afirma que se siente más reportero gráfico que artista.[2]

A lo largo de su actividad como fotógrafo ha recibido varios premios entre los que se encuentran el premio Erich Salomon de 1991 y el premio de la publicación Infinity Award de 2002. Su obra ha sido expuesta prinipalmente en Alemania, pero también en Francia. En 2008 se realizó una retrospectiva en el museo Martin Gropius Bau de Berlín titulada Fotografien 1955-2005 (Fotografías 1955-2005) que recogía gran parte de sus fotografías más conocidas incluyendo las que realizó en sus viajes a España en los años sesenta.[2] [3]

Dorotea Lange



Dorothea Lange (25 de mayo de 1895, Hoboken, EE. UU. - 11 de octubre de 1965, San Francisco, EE. UU.) fue una influyente fotoperiodista documental, mejor conocida por su obra la "Gran Depresión" para la oficina de Administración de Seguridad Agraria. Las fotografías humanistas de Lange sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial.

Yousuf Karsh



Nació en Mardin, en la parte occidental de Armenia que actualmente forma parte de
Turquía. A la edad de 14 años su familia, huyendo de la persecución de la que era objeto la población armenia, se refugia en Siria. Dos años después, Yousuf se trasladó a Sherbrooke, en la provincia de Quebec, (Canadá) y vivió con un tío que se desempeñaba como fotógrafo.

En Sherbrooke asistió a la escuela y en el tiempo libre ayudó a su tío en su actividad profesional, quien observó el talento de su sobrino y le consiguió un puesto como aprendiz en Boston con el fotógrafo John Garo.

Cuatro años más tarde Karsh regresó a Canadá y abrió un estudio propio en Ottawa, cerca de la sede del Gobierno. Fue casualmente descubierto por el Primer Ministro canadiense Mackenzie King que lo introduce en el ambiento político, encargándole retratos de dignatarios extranjeros en visita oficial. Karsh obtiene una discreta notoriedad, pero la fama lo encuentra en el año 1941, en ocasión de la visita a Ottawa de Winston Churchill, cuando retrata al Primer Ministro británico. Esta foto sería uno de los retratos fotográficos más conocidos y reproducidos de la historia.

Walde Huth



Es una fotógrafa alemana, su primera vocación fue la de actriz, estudio en la Escuela de Artes Aplicadas de Weimar y allí encontró su interés por la fotografía.A finales de los 40 se ganaba la vida como retratista y en 1953 en Estugart abre un estudio de fotografía de moda y publicidad. Empezó trabajando como reportera para el diario de Frankfurt y su vocación por la fotografía la traslada al mundo de la moda

Horst P. Horst



Fue un retratista de mujeres esplendorosas, y de intelectuales excéntricos. Marlene Dietrich, Andy Warhol, Coco Chanel, Jean Cocteau, entre otros, fueron fotografiados por este estilista de la cámara.

Horst Paul Bohmann (más conocido como Horts P. Horst) es considerado por muchos como el creador de la fotografía de moda. Nació 14 de agosto de 1906 en Weimar, Alemania.

Cuando hablamos de este fotógrafo, generalmente hablamos de los rostros de sofisticadas mujeres, talles estilizados o sombreros con el ala caída sobre los ojos como características más resaltantes de sus trabajos.

Horts nació en el seno de una familia de clase media alta. Cursó estudios de Arquitectura, pero no era lo suyo. Pronto abandonó esa carrera para dedicarse a la fotografía.

A finales de los años 20 comenzó su tarea de fotógrafo en París, especializándose en fotos de estudio. En esa época, París era como una base de operaciones de artistas, escritores y aristócratas. Horts, trató con muchos de ellos.

Consiguió que personalidades tan diversas como Gertrude Stein, Dalí, Luchino Visconti y Greta Garbo, posarán para él.

El mecenas de este fotógrafo fue Hoyningen-Huene, más conocido como el Barón de Vogue. Horts trabajó para su revista y así se hizo célebre como fotógrafo de moda.

En 1943 adoptó la nacionalidad norteamericana. Sin embargo siguió colaborando en Vogue, aunque también trabajó, por ejemplo, para House & Garden o Calvin Klein.

Su estadía estadounidense fue larga y rica. Falleció en su casa, en Palm Beach, Estados Unidos, el 18 de noviembre de 1999.

Fritz Henle



Estudió física en Múnich. Comienza su interés por la fotografía, a los 20 años de edad publica su primera obra. Posteriormente estudió en la fotografía en la Escuela de Fotografía de Baviera, graduándose con Diploma de Honor.

Realizó trabajos en la Toscana, Italia, especializándose en las obras del Renacimiento. Realizó series en China y Japón. Colaboró con numerosas revistas y libros, como: “Fortune”, “Life”, “Time Life”, “Harper´s Bazaar”. Ganó fama como fotógrafo de desnudos femeninos, y por realizar retratos de importantes personalidades, entre los que se encuentran Frida Kahlo y Diego Rivera.

A partir de 1958, se establece en las Islas Vírgenes, desde donde se desplazaba a todo el mundo para realizar sus trabajos. Sus archivos los donó a la Universidad de Texas, en Austin.

Aclamado como el último de los grandes fotógrafos clásicos por Helmut Gernsheim, la carrera de Henle abarca alrederdor de 60 años, durante los cuales amasó un archivo de más de 110.000 negativos representando imágenes de Europa, India, Japón, Hawaii, USA, México, y el Caribe. Moda, retrato, viajes y temas industriales fueron fotografiados con sensibilidad por este maestro de la fotografía contemporánea.

Gottfried Helnwein



Gottfried Helnwein (8 de octubre de 1948, Viena) pintor, fotógrafo y artista de performance austriaco-irlandés maestro del reconocimiento sorpresivo.[1]

Helnwein estudió en la Universidad de Artes Plásticas en Viena (Akademie der Bildenden Kunste, Wien). Le fue otorgado el premio de Master Class (Meisterschulpreis) en la Universidad de Artes Plásticas en Viena, el premio Kardinal-Konig y el premio Theodor-Korner.

Sus primeros trabajos consistían principalmente de acuarelas hiperrealistas de niños heridos, así como performances —a menudo con niños— en lugares públicos. Helnwein es un artista conceptual, interesado principalmente en la ansiedad psicológica y sociológica, así como en temas históricos y políticos. Como resultado de esto, su trabajo suele ser considerado provocativo y controvertido. Helnwein ha trabajado como pintor, dibujante, muralista, fotógrafo, escultor y artista de performance, utilizando una gran variedad de técnicas y medios. También es conocido por su diseño de vestuario y escenografía teatral, tanto de ballet como de ópera. Entre ellas cabe mencionar Staatsoper Hamburg, Volksbuhne Berlin y la Ópera de Los Ángeles.

Philippe Halsman



Philippe Halsman es uno de los más grandes fotógrafos de la historia, un verdadero revolucionario. Nació en Riga, Letonia, en 1906 y comenzó estudiando ingeniería en la ciudad de Dresde en Alemania.

Cuando tenía 22 años de edad un desafortunado suceso marcó su vida. Mientras excursionaba junto a su padre las montañas tirolesas, su progenitor se despeñó y perdió la vida. Al no constatarse ningún tipo de pruebas las autoridades infectadas del antisemitismo que flotaba en Centroeuropa los declararon culpable y mandaron encarcelar.

Tras dos años tras las rejas un grupo de intelectuales (Thomas Mann, Freud y Einstein, entre otros) presionaron para que recupere la libertad.

En los años 40 y 50 sus divertidos retratos de las celebridades del momento lo dotaron de una importante fama mundial. Personajes del ámbito de la política, el arte, el espectáculo, la ciencia, etcétera, posaron ante su objetivo para realizar algunas de las fotografías más reconocidas de la historia.

El mayor éxito de Halsman llegó con su técnica denominada ‘saltología’. Consistía en capturar a los protagonistas de la toma fotográfica realizando saltos.

Sobre esta extraña manera de captar a sus modelos, Halsman explico en el prefacio de su libro Jump book: “En este punto, los lectores bien documentados (los que no lo son, se saltan las introducciones) se preguntarán: todos estos saltos están bien, pero… ¿para qué sirven? […] Toda nuestra civilización, comenzando por nuestra temprana educación, nos enseña cómo disimular nuestros pensamientos. […] Todo el mundo lleva una armadura. Nos escondemos tras una máscara. […] Durante el salto, el sujeto, en un repentino arrebato de energía, se ve sobrepasado por la gravedad. No puede controlar sus expresiones, sus músculos faciales. La máscara cae. La verdadera personalidad se vuelve visible. Uno sólo tiene que atraparla con su cámara”.

Las fotografías de Philippe Halsman son conocidas en todo el mundo. En 101 ocasiones, por ejemplo, fueron sus tomas tapa de la revista Life, lo cual es un verdadero record.

Pero no solo la revista Life es la culpable de su fama, sino, que el fue quien a través de su objetivo inmortalizó las figuras de Albert Einstein, Salvador Dalí, Marilyn Monroe, Dean Martin y Jerry Lewis, Audrey Hepburn, Marlon Brando, Anjelica Huston, Frank Sinatra, Cary Grant, Zsa Zsa Gabor, entre otros.

Junto a Dalí mantuvo una relación de 30 años, de la cual tomaría la influencia surrealista de éste. Juntos dieron vida a una de las obras fotográficas más famosas de la historia, ‘Dalí Atomicus’ en 1948. En esta fantástica obra se puede ver al artista español suspendido en el aire entre gatos, sillas, un lienzo y agua flotando en el aire; realmente una imagen digna de una pintura surrealista que Halsman logró realizar con la propia realidad.

Walker Evans



Nace el 3 de Noviembre de 1903 en St. Louis, Missouri, pero pronto su familia se traslada a Toledo, Ohio, y posteriormente a un barrio de los suburbios de Chicago.
Cuando se separan sus padres se va a vivir a Nueva York, acompañado de su madre.
Todas estas circunstancias acentúan la visión penetrante de la América media que tuvieron algunos artistas, tales como Twain y Faulkner.
Estudió en numerosos colegios, como el Phillips Academy d`Andover, uno de esos colegios de la Costa Este, de disciplina y tradición europea, que probablemente influyó en su visión de la autenticidad americana.

En 1922 viaja a París para seguir sus estudios en la Sorbona, pero con la idea de hacerse escritor y mezclarse con la vida intelectual del París de los años veinte.
Influenciado por poetas franceses del XIX, ve en la fotografía un medio para adaptar la visión de poeta y mostrar meticulosamente la América cotidiana contemporánea.

Comienza en Nueva York (1928), con una cámara de 6 x 12, a hacer sus primeras fotografías. Escenas sencillas y directas de la vida diaria.
Entabló amistad con artistas y escritores y mantuvo contacto con las corrientes progresistas.
Con una cámara de 15 x 20 recorre ciudades de EE.UU, junto a Lincoln Kirstein, un joven intelectual, que tuvo un importante papel en el desarrollo de la vida cultural norteamericana.
En 1932 ilustra The crime of Cuba, de Carleton Beans, una denuncia del régimen de Batista, para lo que hizo una serie de fotografías donde mezclan retratos con detalles arquitectónicos y escenas callejeras.

Entre los años 1935 y 1936, durante 18 meses, trabajó para la Farm Security Administration, un programa trataba de documentar la difícil situación de las comunidades rurales de los Estados Unidos durante la depresión.
Junto a James Agee convivió seis semanas con una familia de aparceros de una granja de Alabama.
Evans los fotografió enseñando su vida de forma simple y directa, con cierto distanciamiento, logrando retratos de gran dignidad.
Junto con los textos de Agee, las fotografías se publicaron en el libro Let Us Now Praise Famous Men en 1941.

En 1938, el MOMA de Nueva York dedica a Evans la primera exposición monográfica, publicando a la vez el libro American Photographs.

Con una Contax de 35 mm comienza a trabajar de forma completamente distinta: ocultándola bajo el abrigo, sin control de encuadre, se centra en las caras y gestos de los viajeros del metro de Nueva York.
El resultado se publicó en 1966 en forma de libro con el título Many are called.

Entre 1945 y 1965 colaboró como articulista y fotógrafo en la revista Fortune.

Ha sido maestro de toda una generación de fotógrafos, tales como Robert Frank, que colaboró con él en la realización para Fortune del artículo Beauties of the Common Tool.

Desde 1965 y hasta su muerte en 1975 trabajó como profesor de fotografía en la universidad de Yale.

Alfred Eisenstaedt



Nacido en 1898 en la antigua Prusia y fallecido en Estados Unidos en 1995, Alfred Eisenstaedt ha cubierto completamente con sus fotografías el devenir del pasado siglo XX, ya que estuvo activo prácticamente hasta su muerte.

Fascinado por la fotografía desde su juventud, a los catorce años le fue regalada por su tío una Eastman Kodak número 3 Folding Camera, realizando fotografías de forma amateur.

Había participado en la Primera Guerra Mundial en la que sufrió heridas en ambas piernas que le hicieron retornar a casa, donde tuvo mucho tiempo para profundizar en aspectos técnicos acerca de la fotografía.

No había pensado dedicarse profesionalmente a la fotografía.

En 1927 vendió su primera fotografía a un publicación y empezó a considerar seriamente el vivir profesionalmente de la fotografía, lo que llevó a efecto en 1928 trabajando como free-lance en Berlín.

En 1932 realiza la fotografía del camarero patinando. Según comentó el mismo, la silla que aparece en la imagen está fuera de toda lógica, pero era necesaria para enfocar la cámara y disparar justo cuando el camarero pasar a su altura.

En 1934 toma otra de sus más famosas fotografías en la Scala de Milán, procurando el máximo detalle, cuando por casualidad una joven aparece en el palco de al lado.
Quizá, en su decir, sin la joven la fotografía no hubiera sido tan memorable.

Nunca gustó de utilizar voluminosos equipos fotográficos.
En 1935 adquirió una Rolleiflex y emigró a America, convirtiéndose en ciudadano americano.
Trabajó en el staff de fotógrafos de Life Magazine, revista en la que llegó a ocupar con sus imágenes más de noventa portadas y fueron publicadas más de diez mil imágenes suyas.

En 1945 tomó una de sus más famosas y conocidas fotografías, titulada VJ day in Times Square en la que podemos contemplar a un marinero besando apasionadamente a una chica abstrayéndose de la realidad que los rodea.

Son de destacar su humildad y su humanidad, así como su constancia en la forma de trabajo a lo largo de más de sesenta años de actuaciones profesionales, con los personajes más variados en las situaciones más variadas.
Los retratos de personajes son una de sus aficiones favoritas, contando con numerosas anécdotas en sus interacciones con las personas más famosas del siglo pasado, desde Hitler o Mussolini hasta Clinton.

Fue infatigable y trabajó casi hasta su fallecimiento.
Publicó numerosos libros, recibió incontables premios y reconocimientos y realizó muy diversas exposiciones, alguna de ellas en su Alemania natal a la que regresó con 81 años para realizar una exposición con fotografías suyas de los años 30.

El fotoperiodismo tiene un referente en la figura de Alfred Eisenstaedt.

Henri Cartier-Bresson



Henri Cartier-Bresson (22 de agosto de 1908 - 3 de agosto de 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images a la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de Iósif Stalin.

Su obra fue expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.

Fue cofundador de la agencia Magnum.

Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse. Falleció el 2 de agosto de 2004 en Céreste, al suroeste de Francia.

En 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier-Bresson - Biographie eines Blicks, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson además de Isabelle Huppert, entre otros.

Para algunos, Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como «el ojo del siglo».

En el año 1983 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad

René Burri



Fotografo suizo de fama mundial nacido en Zurich, Suiza, 1933.

La historia de la carrera de Burri es la historia de la segunda mitad del siglo XX, con todos sus conflictos y personajes. Burri ha fotografiado personajes, arquitectura y guerras.

Ha fotografiado el Paris de Picasso, la España de Franco, la postguerra de Vietnam. Tambien salio de su camara la imagen, hoy ya iconica, de un jovencisimo Che Guevara fumando un puro en el Ministerio de Industria de Cuba.

Estudio composicion, color y diseño en la Escuela de Artes y Oficios en su ciudad natal. Mas tarde, siendo ya fotografo, persevero en sus intereses tempranos en series de collages e integrando escritura, pintura y fotografia.

Entre 1953 y 1955 trabajo realizando documentales y comenzo a utilizar una Leica mientras realizaba el servicio militar. Su primer reportaje fue publicado en Life y en otras revistas europeas.

En 1956, mientras viajaba por Europa y Oriente Proximo para Magnum, su trabajo en Alemania se publico en su primer libro con un prefacio de Jean Baudrillard.

En los años sesenta, Burri fotografio a artistas como Picasso, Giacometti y Le Corbusier para Du magazine. Sus fotografias de Che Guevara han dado la vuelta al mundo, y se han convertido en la imagen-icono de la revolucion cubana. En los años sesenta y setenta realizo reportajes en zonas de guerra de Vietnam y Camboya, y mas tarde Beirut. Tambien realizo reportajes para BBC.

Gyula Halász (Brassai)


Brassaï es el pseudónimo de Gyula Halász (1899 - 1984), fotógrafo húngaro conocido por su trabajo desarrollado en París, ciudad donde desarrolló su carrera.

Gyula Halász nació el 9 de septiembre de 1899 en Brassó, entonces parte de Hungría, hoy perteneciente a Rumania. A los tres años su familia se trasladó a París durante un año mientras su padre, profesor de literatura, enseñaba en la universidad de La Sorbona. De joven, Gyula Halász estudió pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Budapest antes de alistarse en el regimiento de caballería de la armada austrohúngara hasta el final de la Primera Guerra Mundial. En 1920 Halász se estableció en Berlín donde trabajó como periodista y estudió en la Academia de Bellas Artes de Berlín-Charlottenburg.


En 1924 se trasladó a París donde vivió por el resto de su vida. Empezó a aprender francés leyendo la obra de Marcel Proust y, viviendo entre los numerosos artistas del barrio de Montparnasse, empezó a trabajar como periodista. Pronto estableció amistad con Henry Miller, Léon-Paul Fargue y el poeta Jacques Prévert.

El trabajo de Gyula Halász y su amor por la ciudad, cuyas calles recorría asiduamente de noche, le llevó a la fotografía. Más tarde escribiría que la fotografía le permitía atrapar la noche de París y la belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla. Usando el nombre de su lugar de nacimiento, Gyula Halász se hizo conocer con el pseudónimo de "Brassaï", que significa "de Brassó". Brassaï capturó la esencia de la ciudad en sus fotografías, publicando su primer libro fotográfico en 1933. Sus esfuerzos tuvieron gran éxito, siendo llamado "El ojo de París" en un ensayo por su amigo Henry Miller. Además de fotos del lado sórdido de París, también produjo escenas de la vida social de la ciudad, sus intelectuales, su ballet y grandes óperas. Fotografió a muchos de sus amigos artistas, incluidos Salvador Dalí, Pablo Picasso, Henri Matisse, Alberto Giacometti y a muchos de los prominentes escritores de la época como Jean Genet y Henri Michaux.

En 1956, su película Tant qu'il aura des bêtes ganó el premio a la película más original en el Festival de Cannes y el 1978 ganó el Gran Premio Nacional de la Fotografía de París.

Considerado por muchos como uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, Gyula Halász murió el 8 de julio de 1984 en Eze, Alpes-Maritimes, al sur de Francia y fue enterrado en el cementerio de Montparnasse de París.

En 2000, una exposición de 450 de sus obras fue organizada con la ayuda de su viuda, Gilberte, en el centro Georges Pompidou de París.

Margaret Bourke-White



Considerada una de las mayores innovadoras en el campo de la fotografía, Bourke-White (1904 – 1971) fue la primera mujer fotógrafa corresponsal de guerra, trabajo que desempeñó durante la Segunda Guerra Mundial.

En 1930 había sido la primera mujer fotógrafa profesional admitida en la Unión Soviética.
Sus fotografías, que reflejaban lo que ella llamaba “la belleza de la industria”, llamaron la atención del editor Henry Luce, quien la contrató primero para la revista “Fortune” y luego para “Life” en cuya plantilla trabajó desde sus inicios hasta su muerte.

Bourke-White fué la primera mujer corresponsal de guerra y la primera mujer con permiso para trabajar en zonas de combate durante la Segunda Guerra Mundial. En 1941 viajó desde Rusia a Alemania y fué la única fotógrafo extranjera en activo cuando se produjo la invasión de las tropas alemanas en la Unión Soviética.

Cecil Beaton



Cecil Beaton nació en Londres en 1904. Debido a sus grandes dotes conquista la fama a nivel mundial, como Fotógrafo y diseñador británico.

En 1915 le regalan su primera cámara fotográfica una Kodak 3A de fuelle. Fue guiado por Alice Collard quien le enseñó las técnicas del revelado y fijado.

En 1924 se introdujo en el mundo de Vogue con un retrato retocado de su amigo George Rylands. Durante varios años después, reúne material suficiente y abre una exposición en el West End, en 1926 empieza a dedicarse exclusivamente a la fotografía.
En 1929 se queda en Nueva York, trabajando desde el estudio para la firma Vogue.

Hacia 1930 regresa con un gran triunfo a Londres donde escribe su primer libro "El libro de la belleza". Viaja hasta Hollywood donde gracias a su ingenio y aprovechando la deslumbrante luz de California y sus pintorescos claroscuros realiza una serie de retratos a grandes personajes, tales como; Gary Cooper, Johnny Weissmuller, Dolores del Rió.

Desde sus viajes por Rusia, África, España y México, retrata a Henry Ford, Salvador Dalí y su esposa Gala, Picasso, Rolling Stones, entre otros.

Murió el 18 de enero de 1980.

Richard Avedon



Avedon fue el responsable de la revolución que sufrió el mundo de la fotografía de moda en los años 50, ya que consiguió que las modelos posaran de forma natural, riendo, andando y tal y como se portaban en su vida normal, en lugar de las envaradas poses a las que todo el mundo estaba acostumbrado.

Más adelante realizó unos retratos con una impactante calidad psicológica que, según sus propias palabras "son la forma de explicar a los demás muchas cosas sobre mí".
A los cinco años fue inscrito por sus padres en la Witt Clinton High School y después completó sus estudios en la Universidad de Columbia, de la que salió para inscribirse en la Marina Mercante Americana, en la que enrolado durante los años 1942 al 1944.

Cuando salió de la Marina se apuntó en las clases de Alexey Brodovitch, en el Laboratorio de Diseño de la New School for Social Research de Nueva York. Fue precisamente Brodovitch, editor de la revista Harper's Bazaar, el que contrató a Avedon como fotógrafo. Durante años (1947-1984) se encargó de retratar las colecciones parisinas y docenas de reportajes de moda.
Mientras tanto, la vida de este fotógrafo no se ceñía exclusivamente al mundo del glamour. En 1958 es designado por el prestigioso magazine Popular Photography con el Premio One of the World's Ten Greatest Photographers (Uno de los diez mejores fotógrafos del mundo).

El año siguiente la editorial Simon&Schuster publica el libro Observations, con fotografías de Avedon y textos de Truman Capote.
Richard Avedon fue un artista que denunció con sus fotografías un sistema cruel e injusto para con los más débiles, a la vez sabe como nadie captar el lujo y la sofisticación de los diseños de Alta Costura.

Su frenético ritmo de vida le llevó a realizar exposiciones continuas de sus instantáneas por todo el mundo, y a publicar libros, entre los que se incluye su propia biografía, publicada en 1993 por Random House.

Sus retrospectivas se han exhibido en museos como el Whitney de Nueva York, la National Portrait Gallery de Londres o el Palazzo Real de Milán. Además, el trabajo de Avedon se ha podido contemplar de forma permanente en colecciones selectivas de prestigiosos museos como el Metropolitan de Nueva York o el Victoria and Albert Museum de Londres.

El fotógrafo neoyorquino falleció en el hospital San Antonio (Texas) el 1 de octubre de 2004 tras sufrir una hemorragia cerebral mientras realizaba un reportaje para el periódico The New Yorker.

Diane Arbus



BIOGRAFÍA
Diane Nemerov nace en el seno de una adinerada familia judía de Nueva York. Es hermana del poeta Howard Nemerov. A los 14 años comienza su relación con Allan Arbus, con quien se casa cumplidos los 18 años. En los años cuarenta, el matrimonio se dedica a la fotografía de modas en revistas como Esquire, Vogue y Harper’s Bazaar. De 1955 a 1957, Diane Arbus toma clases con la fotógrafa austríaca Lisette Model, quien ejerce una gran influencia. En esa época, también, se divorcia de Allan. La década del sesenta fue la más productiva. Recorre los peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrata, entre los que se encuentran enanos, nudistas y prostitutas. En 1967 realiza la exposición «New Documents», que la da a conocer al público mayoritario. Continua trabajando para revistas importantes retratando a celebridades como Norman Mailer, Mae West y Jorge Luis Borges. En 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus se suicida. Un año más tarde su trabajo es seleccionado para participar en la Bienal de Venecia, siendo la primera fotógrafa estadounidense en ser seleccionada, y el MoMA de Nueva York organiza su primera gran retrospectiva

SU OBRA
Influenciada por Model y la película Freaks (La parada de los monstruos o Fenómenos, en castellano) de Tod Browning, Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza". Fue Pionera del flash de relleno (flash de día). La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza. Para ella no existe el momento decisivo, trabaja en continuo espacio temporal y obliga a los retratados a que sean conscientes de que están siendo retratados. Busca una mirada nueva, pasando del tedio a la fascinación.

25/11/09

Valparaiso

PASEO 21 DE MAYO

Ley de 3/3


V: 1/250 F: 8 = 0
Hora: 11:30 Aprox.

Ley de Mirada


V: 1/200 F: 8 = 0
Hora: 11:20 Aprox.

Ley de Horizonte


V: 1/125 f:8 = 0
Hora: 10:45 Aprox.

Ley de Mirada + Ley de 3/3


V: 1/300 F: 8 = 0
Hora: 13:00 Aprox.

HDR


V: 1/200 F: 3,5 = -1 2/3
V: 1/60 F: 3,5 = 0
V: 1/25 F: 3,5 = +1
Hora: 11:00 Aprox.

HDR


V: 1/250 F: 8 = -1
V: 1/100 F: 8 = 0
V: 1/50 F: 8 = +1
Hora: 12:00 Aprox.

MiniMundo

Parque Inés de Suárez


Plaza Italia


Mirador Lo Cañas


Brief MiniMundos

Requerimientos:
- Trípode
- Cámara

Proceso:
Primero fui a Plaza Ñuñoa y no me resulto ya que existen muchos árboles que cortan la foto y es un lugar pequeño. Después me fui al Parque Inés de Suárez, ya que este es un parque grande con espacios amplios. Aquí me resulto y ocupe V: 1/320 y F: 8. Luego fui a la plaza Pedro de Valdivia y decidí subirme a la pasarela para lograr una toma completa, pero esto fue un fracaso ya que al no existir suelo, la imagen queda muy mal. Después decidí ir al Barrio Bellavista y tampoco me resulto, ya que es un lugar muy cerrado y no se alcanza a tomar en las fotos cielo y tierra. Luego fui a Plaza Italia y aquí me resulto muy bien ya que la panorámica es muy amplia y se reconoce de inmediato el lugar. Aquí la foto fue de V: 1/200 y F: 8. Por ultimo fui al mirador de Lo Cañas y tome la panorámica de santiago con V: 1/100 y F: 8

Día: Martes
Hora: Entre las 9:00 y las 14:00

Luminograma

"Bob Marley – One Love"

Portada


Contraportada


Interior


Brief Luminograma

Conceptos:
- Amor
- Felicidad
- Locura
- Paz
- Hermandad
- Unión
- Libertad
- Florecer
- Mezcla
- Igualdad
- Liviano
- Relajado

Conceptos más importantes:
- Amor
- Liviano
- Mezcla

Referentes Visuales:
- Color: Verde, Amarillo y Rojo
- Reggae
- paz
- Movimiento



Boceto:
La idea es representar la palabra “ONE” en el centro de la portada, ya que tiene que ser liviano pero intenso, representando felicidad y plenitud. Esto realizado con los colores mencionados anteriormente, ya que así se arma un ambiente Reggae. En la contraportada la idea es que aparezca un corazón grande simulando la palabra “LOVE”. Con esto se produce un juego al abrir y cerrar.



Producción:
- Lugar: Patio de mi casa
- Personal: 3 Personas
- Hora Montaje: 22:00
- Hora Captura: 23:00
- Día: Martes

Requerimientos:
- Papel celofán verde, amarillo y rojo
- Trípode
- 3 Luces de igual nivel de luz
- Cámara

Exposición:
- Velocidad de obturación: 15 seg
- Apertura del lente: F8

27/8/09

Fotos Anteojos







Brief:
Iluminación: Artificial
Producción: Fondo Blanco
Toma: Acercamiento
Concepto: Moderno